鉴别康熙青花瓷，绘画技巧有三方面

　　清康熙青花云龙纹碗

　　当中国历史发展到清朝，人类迎来了一个青花瓷时代。尤其到达康熙时期，青花瓷的发展步入了一个巅峰。康熙青花的美无以言表，它极尽古朴与端庄，张扬色彩与艳丽，题材之丰富为历代所不能及，以致成为后代争相效仿的对象。而那些仿的毕竟不是真品，从细微之处仍能发现作伪的端倪。康熙青花的画风、笔法、构图、布局以及装饰图案都是有法可寻的，现在我们就做一下粗略的解读。

　　技法上：

　　我们都知道清圣祖仁皇帝爱新觉罗·玄烨是清朝定都北京后的第二位皇帝，他当时还有个西洋老师叫南怀仁，这说明东西方文化交流已经发展到较高级别了。康熙时期的青花瓷的绘画技法就反应了这种东西方文化的碰撞。在瓷胎上描画，除了用泻染法也就是分水皴的技法外，还借鉴了西洋画的焦点透视法。分水皴法，就是用笔梢蘸浓淡不同的料水在胎上描绘，技术上要求高，少的三五种，最多能分八九种色阶。焦点透视法是西方绘画常用的方法，其基本原理是将隔着一块玻璃板看到的物象，用笔将其画在这块玻璃板上，就得出一幅合乎焦点透视原理的绘画，运用焦点透视，掌握表现空间的规律。

　　东方的宇宙哲学观如《易经》所说：“无反不复”，所以中国人向往无穷的心必有安顿，归返自我，成一回旋的节奏，中国画用线条表现各种性格和生命状态；而西方的宇宙哲学观是观照天和宇宙的构造，所以西洋画是以固定角度透视深空，视线失落于无穷，驰于无极。

　　当东西方审美得以融合，青花瓷画面便活泼生动、视野开阔起来，而且浓淡分明、笔力稳健。

　　山石的描画，多采用斧劈南宋画院派的风格，运笔时勾、染、皴、擦、点各种绘画手法并用，这全靠画工手笔功夫来完成，构图讲究多样化。

　　山水类图案早期流行披麻皴法，中晚期除多见斧劈皴法外，借鉴西洋画法用光线的强弱来体现阴阳面。早中期人物画面高大、用笔豪放，晚期则趋于清秀。人物面大多为侧面。整体比例协调，绘工精致，简练清晰。仕女发髻高耸，脸庞丰满，眉似弯月，唇如朱点，端庄稳重，姿态婀娜多姿。余者人物线条明快、劲捷，大多见于轮廓线内轻点口目，少数涂染面部。婴戏图一改明代流行的武戏，盛行文戏画篇。此时着重于人物状貌和神情的表现。其形象的概括和提炼达到了不可再简的地步。

　　色调上：

　　康熙青花在早期时一般呈灰蓝或黑蓝色；到了中期通常鲜艳清翠；晚期则以灰暗、浅淡为多，有的晕散不清，不过青花颜色是以中期为代表的。

　　这是因为青花颜料选用的是浙料或珠明料。“珠明料”产于云南省，这种青花色料提练精纯，由于水沉法改进为煅烧法，呈色鲜蓝青翠，无漂浮感，明净艳丽，清朗不浑，艳而不俗。有的呈宝石蓝色，鲜蓝而不火气，它与清代其它各朝青花有很大的区别，时代特征十分明显。并形成了一种新的艺术面貌。人们往往称康熙青花为“翠毛蓝”、“康熙五彩”、“墨分五色”。色彩变化有五个层次的色阶，所用青料有“头浓、正浓、二浓、正淡、影淡”之分。古人对康熙青花评价甚高，谓“其青花一色，见深见浅，有一瓶一罐而分之七色、九色之多，娇翠欲滴。”器物画面浓淡深浅，光线强弱分明，不同层次的渲染，完全是由于工匠们熟练地运用色料的技巧，即分水方法，有意识地造成多种深浅层次不同的色调，甚至在一笔一划中也能分出深浅不同的笔韵，如青花山水人物图，花鸟图等，无论远山近水，层峦叠嶂，均富有层次的节奏感、立体感，结合晕染法的使用，使其更接近和达到国画题材的表现手法，犹如一幅水墨花，很具观赏性，这也是康熙青花备受世人推崇的重要原因之一。

　　取材上：

　　康熙青花取材上最主要的特点是师法自然和社会，反映世俗生活。题材有：植物花卉、山水、动物、人物神话故事、吉祥纹以及长篇诗句等；也有一些是来自明末清初的木刻版画内容；还有千变万化的装饰图案。常见图案有：山水庭园、望江兴叹、人物、婴戏、羲之爱鹅、西厢记、三国故事、水浒故事、无双谱、天仙送子、麒麟送子、一琴一鹤、十八学士、周处斩蛟、指日高升、十八罗汉、饮中八仙、八仙庆寿、加官晋爵、刀马人物、耕织、御沟拾叶、云龙、鱼龙变化、夔龙、海水龙、二龙戏珠、蟠螭、四福、龙凤、麒麟、云凤、丹凤朝阳、凤穿牡丹、柳马、松鼠葡萄、松鹿、锦堂富贵、太狮少狮、玉兔、花鸟、缠枝牡丹、缠枝莲、四季花、冰梅、四君子、月影梅、三友、花篮、皮球花、寿字、梵文、赤壁赋、兰亭序、腾王阁序、圣主得贤臣颂、博古、饕餮及四艺雅聚等。上述题材大致分为山水、人物、瑞兽、花鸟、书法及图案等几类。

　　康熙青花对人物描摹细致，对瑞兽的描画趋于写实，像花鸟山水图案文饰画法也都具有时代特色。有人用一个“硬”字高度概括了康熙青花的绘画手法，我们在看后世的一些仿品时，总能感到其线条纤细、笔力不够，写意不够自然。